La visión de los docentes de lengua de la escuela media acerca de la enseñanza de la gramática
Letras
Resumen: ¿Cuál es la “visión” de los profesores de Lengua con respecto a la enseñanza de la gramática en una región intercultural como San Salvador de Jujuy? Las decisiones que toman los docentes en las aulas, sus valoraciones, puntos de vista y experiencias personales constituyen acciones enraizadas en múltiples niveles de planificación y política lingüística; en este sentido, se indaga sobre las representaciones que los profesores tienen sobre los contenidos gramaticales para entender su posible incidencia en el aula. Esta investigación, de corte cualitativo, parte del análisis de seis entrevistas semi-estructuradas acerca de la “visión” o representación que los docentes de Lengua tienen sobre la enseñanza de la Gramática. La metodología se basa en el análisis discursivo desde el punto de vista ergativo de la Lingüística Sistémico Funcional y la modalización delimitada por la Teoría de la Valoración.
Palabras clave: TEORIA DE LA VALORACION, ERGATIVIDAD, ENSEÑANZA DE LA GRAMATICA, OPINION
Fil: Durán, Romina Gisela. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales
2021
Checa, Luisa Edith
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¿Microficción en Jujuy en la década de los 80?: Análisis y clasificación de los textos de las columnas “Sic, ídem, etcétera” y “Harina de otro costal” de Luis Wayar publicados en el Suplemento Dominical del diario Pregón (1986- 1990)
Introducción: Como aquel literato, Luis Wayar quizá también “creía en la salvación por el texto”. Cuando partió en el 2000, dejó dos libros publicados (un poemario y una antología) y varias colaboraciones en diarios y revistas locales y regionales. Su obra literaria en general es escasamente conocida y por ello, apenas mencionado su nombre en la crítica literaria local. Aspiramos con este trabajo reposicionar a Wayar en la escena literaria provincial y regional a partir de la exploración de sus textos publicados, entre 1986 y 1990, en el Suplemento Cultural del diario Pregón. Consideramos que esos textos son materiales iniciáticos de la microficción en Jujuy. Puntualmente, guía nuestro trabajo el objetivo de analizar los textos de las columnas “Sic, ídem, etcétera” y “Harina de otro costal” de nuestro autor, considerando los tópicos, y las estrategias de composición que configuran su escritura. A partir de la identificación de ciertas regularidades entre los microtextos, esbozamos una clasificación que esperamos sea de utilidad para los futuros lectores. Para ello tuvimos presente los aportes del análisis del discurso, de la sociología de la cultura y especialmente, las contribuciones teóricas hispanoamericanas y argentinas más significativas que problematizan la denominación del género microrrelato, sus rasgos genéricos y su relación con otros géneros literarios y no literarios.
Fil: Quispe, Gloria Carmen. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
2020
Angulo Villán, Florencia
El cuerpo y su relación con los diferentes modos de discursivización de las pasiones: voz y mirada en "la mujer habitada" de Gioconda Belli
Introducción: La mujer habitada es una novela publicada en 1988 por la autora nicaragüense Gioconda Belli. Resulta interesante el recorrido que hace Belli a través de su producción literaria ya que en sus inicios como escritora fue reconocida por su obra poética al recibir el premio de poesía de la Universidad Nacional de Nicaragua por su primer libro Sobre la grama. Por su segundo poemario publicado en 1978, Línea de fuego, Belli ganó el Premio Casa de las Américas. La mujer habitada es el primer texto narrativo que publica la autora en 1988, es traducido a once idiomas y se proyecta internacionalmente obteniendo dos galardones: el Premio de la Fundación de Libreros, Bibliotecarios y Editores Alemanes y el Premio Anna Seghers de la Academia de Artes de Alemania. La producción escrita de Gioconda Belli no es un hecho aislado, sino que forma parte de contextos de escritura más amplios que conforman nuevas generaciones en los 60 y 70, estas intentan nuevas formas de expresar desde la literatura con objetivos urgentes para la época: hacer presente la voz de las escritoras mujeres en el arte, la búsqueda de la identidad, propiciar una toma de conciencia política, entre otros. La escritura de Belli puede enmarcarse -al menos-en tres generaciones de escritores: la literatura de mujeres latinoamericanas (Lagos, 2003; Lasarte Leonet, 2013) entre las que se encuentra el grupo de voces femeninas nicaragüenses (Centeno Poveda et. al, 2008), y que, a su vez, integra la denominada “República literaria” o la “República de los poetas” Mackenbach (2018), la generación nicaragüense que elaboró un proyecto cultural y político en el contexto de la revolución sandinista.
Fil: Torres, Silvia. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
2022
Lerga, Facundo
Zambrano, Álvaro Fernando
Madres e hijas en los géneros del yo: abordajes en tres cuentos españoles contemporáneos
Introducción: El tema de madres e hijas es una realidad universal que, si bien cuenta con infinidad de historias (escritas o no), muy pocas han sido llevadas a la literatura. Recién en el siglo XX estas toman mayor protagonismo, cuando las mujeres han visto establecido su derecho a expresarse y sobre todo a escribir, hecho que en España provocó que numerosas autoras decidieran contar este tipo de relatos. Si uno se remonta a la antigua Grecia, comprobará que la mayoría de los mitos aborda el tema de la relación entre madre y padre, madres e hijos, padres e hijos y entre hermanos: Gea-Urano, Cronos-Rea, Zeus-Hera, Afrodita-Eros, Zeus-Hércules, Zeus-Poseidón y Hades, etc. El único mito que trata sobre el vínculo madre e hija es el de Deméter y Perséfone. Cuenta la historia que Perséfone se encontraba juntando lirios (o narcisos, según las diferentes versiones) junto a sus amigas las ninfas, cuando de repente la tierra se abrió y Hades la raptó, ya que, al verla, quedó anonadado por su belleza. Esto trajo como consecuencia la esterilidad de la tierra, dado que Deméter, diosa de la agricultura, la tierra y la fertilidad, protectora de los cultivos y las cosechas, había quedado devastada por la desaparición de su hija. Zeus tuvo que mediar para que se llegara a una solución. Fue así como acordaron que Perséfone (por haber comido la granada, fruto que la ataba al tártaro para siempre) debía permanecer junto a Hades unos meses y luego volver a la tierra para estar con su madre. Esta visita llenaba de felicidad a Deméter, por lo que las flores y los frutos volvían a nacer. Es así como este mito dio lugar a la explicación sobre las distintas estaciones del año. Tanto Deméter como Perséfone son diosas vinculadas a la idea de fertilidad, y esto puede entenderse como un legado de madre a hija. En este caso, quien ejerce el poder de fertilidad absoluto es la madre, puesto que, según su deseo, la naturaleza puede aflorar o marchitarse. El rapto de su hija marca un antes y un después: su ausencia o presencia cambia el estado de ánimo de la madre, el cual influye directamente sobre los ciclos naturales. Por el argumento de la historia se sabe cómo se siente la madre, pero se desconoce qué siente la hija. Al ser un mito, existen variantes, y queda sin esclarecer si Perséfone comió la granada por voluntad propia o por medio de engaños, también se desconoce si le gustaba vivir en el inframundo en compañía de Hades o no y, como estas, muchas otras incógnitas que quedan latentes.
Fil: Fuentes, Patricia del Rosario. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
Narcoliteratura y frontera en “La mamacoca” de Libertad Demitrópulos
Introducción: El epígrafe elegido para dar inicio a este trabajo resume los aspectos nodales de la novela póstuma de Libertad Demitrópulos, La mamacoca (2013), objeto de análisis para esta tesis con dos propósitos: leer la obra desde los estudios de frontera, sus cruces transdisciplinarios y la proyección de la tradición fronteriza decimonónica en la literatura nacional, y por otro lado, abordarla como narconovela, género emergente en la Argentina de fines del siglo XX, en diálogo con la narrativa de la droga y la violencia latinoamericana. Situarla como narcoliteratura exige problematizar los estereotipos del género, bastardeado por las culturas de élite, por lo que será pertinente desmontar sus componentes identitarios en relación con el contexto político y social que atraviesan, desde hace algunas décadas, muchos países sudamericanos como consecuencia de las políticas neoliberales. También la novela será trabajada desde los abordajes decoloniales, poniendo énfasis en el rol protagónico que poseen las mujeres, la tierra y las culturas aborígenes. La trama de la colonialidad del poder se disemina en la cultura del menemato a través de la espectacularización y crisis de las identidades, la apropiación de los cuerpos, el avasallamiento biopolítico, la segregación étnica, la explotación sexual y laboral de los pueblos indígenas y de los sujetos femeninos. En síntesis, iniciaremos con un panorama de la literatura de Libertad Demitrópulos, revalorizando su escritura renovadora y la potencia ideológica de sus programas novelísticos que la sitúan como una de las grandes escritoras argentinas y luego desarrollaremos dos ejes principales en este trabajo: La frontera y la comercialización ilegal de la coca en las que están atrapadas principalmente las colectividades marginales y periféricas, como tejido social excluido de todo proyecto geopolítico de la nación y como ideario estético disruptivo de la novela de los ’90.
Fil: Márquez, María Elisa. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
Narrativa de las memorias: los "detenidos-desaparecidos" de Jujuy en la cuentística de Darío Melano Jasmín
Introducción: La última dictadura militar argentina, el llamado “Proceso de Reorganización Nacional” que duró desde 1976 hasta 1983, es considerada la más sangrienta de la historia argentina al haber cometido sistemáticamente crímenes del terrorismo de Estado, tales como la desaparición forzada de miles de disidentes y la apropiación de niños de los secuestrados y desaparecidos. La indagación sobre este periodo ha sido una temática constante de las narraciones argentinas durante las últimas décadas, ya que se trata de un trauma profundo de la sociedad argentina que tiene su impacto hasta la actualidad. Esta página negra en la historia argentina es centro de atención entre los intelectuales argentinos, fuera o dentro del país, muchos de los cuales han publicado obras literarias sobre dicho suceso histórico. Han pasado más de treinta años desde el derrumbe del régimen militar; no obstante, la cicatriz todavía está abierta y su impacto se proyecta en huellas y manchas temáticas que problematizan los pliegues de la dictadura en el tejido social del país. Por lo tanto, durante las últimas dos décadas se continúan produciendo numerosas obras literarias, películas, ensayos, trabajos críticos, investigaciones académicas entre otras tipologías, que siguen focalizando al Proceso Militar como uno de los tópicos prioritarios en la ficción argentina hasta la actualidad. Las estrategias de representación narrativa sobre la violencia política se diferencian según su producción ficcional durante el Golpe de Estado y las escrituras de postdictadura. En la primera, la literatura de la dictadura y postdictadura reciente, apela a un discurso que escapa de la transparencia referencial por la situación política y social de censura y desapariciones, por eso predominan las metáforas oblicuas e indirectas, y buscan géneros y estéticas que revisitan el pasado, apuestan al pasado colonial o decimonónico, el policial, el absurdo, la ciencia-ficción o el terror como vías alegóricas para denunciar las atrocidades y violaciones de los derechos humanos. Por otro lado, en las obras publicadas después de los noventa, se relatan estas memorias traumáticas de forma más directa, evitando las metáforas, las sinécdoques y elipsis; registran las consecuencias de los acontecimientos históricos en el ámbito privado y subjetivo; como así también promueven la discusión sobre los grupos participantes en la dictadura, a los efectos de complejizar la mirada y evitar las teorías de los dos demonios.
Fil: Ocampo, Florencia. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
¿No hay drama? La categoría de “teatro posdramático” en las producciones escénicas jujeñas Entre el azahar; Ni Edith, ni Piaf; y ¿Qué hacemos con nuestras violencias?
Introducción: El presente trabajo de investigación indaga en la categoría de “teatro posdramático” en tres producciones escénicas jujeñas del período 2007-2018: la obra teatral de creación colectiva Entre el azahar, del grupo El Ekeko Teatro, con dirección de Beatriz Fernández Salinas, estrenada en 2007 en el Teatro de la Vuelta del Siglo en San Salvador de Jujuy; la obra de danza teatro Ni Edith, ni Piaf, del grupo Danza Libre, con dirección de Belén Calapeña, estrenada en 2012 en el mismo teatro; y la performance ¿Qué hacemos con nuestras violencias?, del grupo El Colectivo Teatro, con performers invitados del Grupo Jujeño de Teatro y del grupo La Hilacha, realizada en septiembre de 2018 en el acto de apertura de las VII Jornadas del Norte Argentino de Estudios Literarios y Lingüísticos, en la Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Jujuy. Estas tres producciones develan formas deliberadamente apartadas del modelo teatral tradicional, ya que subvierten la jerarquía “autor-texto/director/actores”, en la que el texto, construido según la forma aristotélica, se erige en regente de la escena. Se trata, por lo tanto, de tres propuestas teatrales rupturales que instauran como centrales otras instancias escénicas que nada tienen que ver con la preponderancia de un texto literario previamente escrito por un autor “en soledad” y que no están construidas de acuerdo al principio de causalidad ni buscan constituir un teatro “narrativo”, que cuente una historia con principio, nudo y desenlace, con la intención, además, de instaurar y transmitir un único sentido, un mensaje unívoco, sino que, por el contrario, apuntan a la plurisignificación y apelan a la percepción sensorial por parte del espectador más que a una “comprensión” desde lo intelectivo. Se trata de tres propuestas escénicas que operan “más allá del drama” (Lehmann, 2013, p. 44) en tanto modelo que primó durante largo tiempo en la escena teatral, según veremos en mayor profundidad en el desarrollo de este trabajo; y que, además, presentan “formas” divergentes entre sí: como señalamos más arriba, hemos tomado una obra teatral de creación colectiva, una obra de danza teatro y una performance. En esta Introducción, realizaremos un repaso por la relevancia de la investigación, los objetivos, la hipótesis, los antecedentes o estado del arte del tema abordado, el marco teórico-metodológico y las técnicas de investigación utilizadas, aclarando, cuando corresponda, si ha habido alguna modificación con respecto a lo consignado en el plan de tesis presentado.
Fil: Ortiz, María Elizabeth. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
2023
Nallim, María Alejandra
La complejidad de lo simple: sobre el minimalismo literario de Raymond Carver
Introducción: El presente trabajo de tesis de licenciatura se ha propuesto analizar la estética minimalista que Raymond Carver desarrolló en algunos de sus cuentos. Carver, cuentista y poeta norteamericano, nació en Clatskanie, en el estado de Oregon, un 25 de mayo de 1938 y murió en Port Angeles, Washington, el 2 de agosto de 1988. Publicó varios volúmenes de cuentos desde 1977 con Will you Please Be Quiet, Please? (¿Quieres hacer el favor de callarte por favor?) hasta finales de los ’80, década a la que corresponde la mayor parte de su producción, de la cual destacan, por las características de la estética minimalista, los volúmenes: What We Talk About When We Talk About Love (De qué hablamos cuando hablamos de amor) de 1981 y Cathedral (Catedral) del año 1983. Por tal motivo, este proyecto hará foco en un corpus de tres cuentos pertenecientes a estas dos últimas obras. Ellos son: ¿Por qué no bailáis?, La Casa de Chef y Conservación (incluidos en apéndice). En primer lugar, para aproximarnos a la estética del Minimalismo literario es importante dar cuenta de que lo omitido en la literatura carveriana es tan crucial como lo que se incluye. Por lo general, se presenta un conjunto de objetos y situaciones cuyo propósito pareciera no ser otro más que el de estar allí; son nombrados, pero no se profundiza demasiado en sus características fundamentales. Se observa una morosidad en la descripción de dichas situaciones y objetos, que es exhaustiva pero no por ello deja de ser repetitiva, incompleta o rudimentaria, pues simula retardar los núcleos fundamentales de la historia pero éstos nunca llegan. Sin embargo, es esta situación la que genera una implicancia activa del lector en este tipo de corriente literaria, ya que éste debe desentrañar aquello que el narrador ignora y/u omite. En la estética minimalista de Carver, no hay informantes que determinen un tiempo y un espacio puntual ni narradores omniscientes; el narrador, generalmente, posee una focalización externa que manifiesta las mismas limitaciones que los personajes del relato. Todo lo explicado conlleva a otro quiebre radical con la estructura tradicional del cuento, ya que las narraciones carverianas carecen de inicio-nudo-desenlace, las elipsis abundan y se presentan limitados indicios que luego servirían al lector para suplir los silencios y dotar de sentido la historia.
Fil: Bárcena, Ana. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
Áyax y Electra frente al abismo. Composición y significación de lo trágico en dos obras sofocleas
Introducción: Dentro de la literatura grecorromana antigua, la producción del poeta ateniense Sófocles ocupa un lugar prominente. Esto obedece a una gran variedad de motivos, entre los cuales son resaltables tanto la apreciación que gozó en su contexto histórico, como la importancia que le otorga Aristóteles en su Poética, tal como nos dice L. Pinkler (1989: 49-50): Aristóteles [ ...] pone en varias oportunidades la versión de Sófocles como un paradigma trágico. Considerando lo clave que esta obra aristotélica resultó a lo largo de la Historia en el avance de los estudios del arte literario–algo que se puede observar claramente en el helenismo, desde autores como Jean-Pierre Vernant hasta Albin Lesky, y también en estudios literarios más amplios-, es lógico considerar que gran parte de la relevancia posterior de Sófocles se deba a las palabras del filósofo ateniense (J. Bergua Cavero, 1982; 22). Lo presentado por Aristóteles, entonces, serviría como anclaje para la perduración de Sófocles. La impronta dejada por el drama sofocleo llega a nuestros días a la hora de abordar la enseñanza del género dramático. Ya en la Antigüedad Clásica sus tragedias eran utilizadas para formar a los ciudadanos en las artes poéticas, si bien no ocupaban un puesto prioritario, como nos indica Henry-Irenee Marrou (1985; 217): [...] el teatro: Esquilo y Sófocles no fueron excluidos de los programas, pero su papel fue eclipsado por Eurípides [...]. Se ve, entonces, que el uso de las obras de Sófocles con propósitos educativos no es un desarrollo moderno. Sin embargo, como señala Werner Jaeger, el propósito didáctico de la dramaturgia sofoclea en la Antigüedad Clásica se diferencia de su uso actual en que, para los contemporáneos de Sófocles, la poesía trágica no sólo era útil para educar sobre literatura, sino también sobre la vida y los preceptos necesarios para guiarse en ella: Lo decisivo es que la poesía y la educación humana se dirigen conscientemente al mismo fin (W. Jaeger, 2001; 35). Y así como en Atenas se veía a su poesía como representativa de un vivir, hoy en día sus obras son material de lectura recurrente y canónico en un gran número de escuelas y colegios, tal como presentan los diseños curriculares de varias provincias argentinas. También resulta adecuado señalar que, en ámbitos más específicos, como las carreras universitarias de Lengua y Literatura o de Artes Dramáticas, la presencia de Sófocles en los programas es considerada como una lectura obligatoria (Bañuls Oller, 2016; 4). Como podemos ver, es capital la presencia sofoclea dentro del ámbito de los estudios sobre el drama helénico. Lo cual es particularmente interesante si tenemos en cuenta el limitado acceso que contamos en el siglo XXI a su obra: siete tragedias y un puñado de fragmentos. En comparación con Eurípides, de quien se conservan diecinueve tragedias, la producción sofoclea presente hoy día resulta acotada.
Fil: Baldoni Amar, Matías. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
Rivera, Mónica Gabriela
Tomar la pluma y el puñal: reescritura de figuras míticas femeninas en microrrelatos de Relatos de bolsillo (2006) de Patricia Calvelo
Introducción: “Como la cabeza cortada de Orfeo -dice Kerenyi- la mitología continúa cantando, incluso después de su muerte, incluso a través de la distancia” (en Gual, 1987, p.112). En este mismo sentido, Luis de Corral comenta que: “la incapacidad de envejecer de las figuras míticas no quiere decir la imposibilidad de que les sobrevengan nuevas aventuras; su perennidad no significa quietud” (1957, p 77). El propósito de este trabajo de investigación surge de pensar que estas nuevas aventuras son posibles gracias al proceso de la reescritura, por el cual se pueden sacar a luz los sentidos potenciales de los mitos. No es extraño en la historia del arte, mucho menos en la literatura, volver al material mítico para producir una obra, siendo Homero uno de los primeros poetas en hacerlo. Aunque la materia mítica puede parecer limitada a una cantidad cognoscible de mitos, las posibilidades que le ofrece la composición literaria son ilimitadas. La poesía épica y la tragedia han sido sus primeros pasos, históricamente hablando, pero al ser un material vivo no sólo ha evolucionado y crecido en ambos géneros, sino que ha conquistado otros a lo largo de los siglos. No es el propósito de este trabajo explorar la reescritura de mitos en todos los géneros, sino más bien centrarse en uno en particular: el microrrelato. Tampoco se busca el análisis de la totalidad del género, sino más bien concentrarnos en un espacio y tiempo determinado. Como se verá con mayor extensión en los antecedentes, Argentina ha sido y sigue siendo, según Dorá Bakócz (2015) un gran productor literario de microrrelatos. Este género se caracteriza por la reescritura y reinterpretación de cuentos de hadas, pasajes bíblicos, folclore europeo y, sobre todo, mitos grecolatinos, debido a que, por su brevedad, necesita de la participación activa del lector y sus conocimientos previos para causar el efecto que le es propio. En otras palabras, es un género que se nutrió y embebió de la tradición universal, para ir más allá en la experiencia estética.
Fil: Corro, Josefina. Universidad Nacional de Jujuy. Facultad de Humanidades y Ciencias Sociales; Argentina.
2024
Blanco, María Soledad